Auf dem Papier mischen – spektakulär!

Ich glaube, wir haben beim Aquarell alle einen kleinen Widerspruch im Kopf.

Wir möchten locker malen. Aber bitte mit einem kontrollierten Ergebnis.

Wir möchten den Farben Freiheit geben – aber natürlich sollen sie genau dorthin fliessen, wo wir sie haben wollen.

Und wir lieben den Zufall – solange er sich gefälligst an unsere Pläne hält.

Kommt dir das bekannt vor?

Mir jedenfalls sehr.

Auf dem Papier mischen – die locker-leichte Aquarellskizze

Ich liebe es, Farben direkt auf dem Papier zu mischen. Denn sobald wir nicht jede Farbe fertig auf der Palette anrühren, passiert etwas Spannendes:

Das Wasser übernimmt einen Teil unserer Arbeit.

Farben laufen ineinander, Übergänge und kleine Unregelmässigkeiten entstehen.

Das Bild bekommt Eigenleben.

Location: Rheinfelden an der Brücke.

Das sieht man hier wunderbar: Die Farben des Baumes laufen ganz von selbst ineinander. Ein grosser Pinsel, ein paar Farben locker aufs Blatt und dunklere Töne hinein.

Das ist schnell und Spass pur!

Wer das Mischen auf dem Blatt beherrscht, erzeugt spektakuläre Ergebnisse. Aber ich kenne auch die andere Situation: Plötzlich macht sich das Wasser selbstständig und Farbe läuft quer durchs Bild.

Oh nein! Was passiert denn jetzt?

Dabei weiss ich es eigentlich besser. Ich unterrichte Aquarellmalerei und erkläre anderen Menschen, dass sie Wasser und Pigmente arbeiten lassen sollen.

Ich weiss das alles!

Und trotzdem geht irgendwo in meinem Kopf die Alarmanlage los:

Das wird nichts!

Also greife ich ein. Mein Pinsel schiesst vor und matscht in der Farbe herum. Eigentlich möchte ich doch nur das zarte Grau des Mastes in die Wellen ziehen.

Hier ein bisschen. Da ein bisschen. Noch ein bisschen!

Und aus einer wunderschönen, lebendigen Mischung wird langsam eine kontrollierte Pampe. Schau dir den Mast im Wasser an!

Grauenhaft!

Ich hätte mich in den Arsch beissen können. Und vielleicht musst du gerade lachen, weil du genau weisst, wovon ich spreche.

Denn oft wissen wir ganz genau, was wir tun müssten.

Wir trauen uns nur nicht, es geschehen zu lassen.

Auf dem Papier mischen – Loslassen mit Gefühl

Aquarell malen und gleichzeitig die Kontrolle abgeben – das kann Panikattacken auslösen. Wenn da die Farbe mitten im Bild läuft, müsste ich eigentlich die Hände über die Augen schlagen, damit ich das ertragen kann.

Vielleicht ist genau das unser Problem: mangelndes Grundvertrauen.

Ich kann das gar nicht aushalten, wenn die Farbe da so wild runterläuft.

Dabei muss man sich unter uns Aquarellmalern immer wieder in Erinnerung rufen, dass gerade die schwer auszuhaltenden Techniken oft die besten Aquarellbilder machen.

Die Lösung kann also nicht sein, den Zufall abzuschaffen.

Wir müssen ihm nur einen Rahmen geben. Nicht so viel Kontrolle, dass wir dem Aquarell sein Eigenleben nehmen – aber genug, damit wir nicht die Hände über die Augen schlagen müssen.

Auf dem Papier mischen – Wasser ist der kleine Unruhestifter

Das größte Chaos entsteht beim „Auf dem Papier mischen“ meistens gar nicht durch die Farbe.

Es ist das Wasser.

Ist davon zu viel auf dem Papier, ist es irgendwann, als hätte man einen Farbeimer mitten ins Bild gekippt. Die Farbe suppt los und nimmt keine Rücksicht mehr auf das, was wir eigentlich vorhatten.

Das ist der Moment, in dem aus erwünschtem Zufall schlicht Chaos wird.

Und sofort kommt dieser wunderbare Reflex:

Pinsel rein und retten!

Eins kann ich dir schon mal ganz genau sagen: In den allermeisten Fällen ist hier der beste Tipp einfach:

Pfoten weg!

In 90 Prozent der Fälle ruinierst du das ganze Bild mit deiner Rettungsaktion! Wenn du jetzt in der Farbe herumrührst, erzeugst du einen matschigen Farbbrei – und der ist wirklich nicht schön anzusehen.

Dabei lässt sich das Problem erstaunlich einfach vermeiden:

Wir brauchen ein bisschen Wasserkontrolle.

Ausgerechnet der Wassertopf kann beim „Auf dem Papier mischen“ zum größten Mörder werden. Eigentlich machen wir alles richtig: Wir spülen unseren Pinsel sorgfältig aus, weil wir klare, schöne Farben möchten.

Vollkommen löblich, aber nicht hilfreich!

Denn der Pinsel kommt nicht allein zurück aufs Papier. Er bringt jedes Mal Wasser mit – und davon haben wir dort ohnehin schon genug.

Deshalb mache ich etwas ganz Einfaches: Wenn ich mit dem Pinsel in den Wassertopf gehe, schüttele ich ihn danach aus oder drücke ihn ein wenig aus.

Der Pinsel soll keineswegs trocken sein. Die Farbe soll ja laufen!

Aber sie soll nicht davonrennen.

Ist die Farbe etwas trockener und nicht mehr klatschnass, vermischen sich die beiden Farben sehr schön. Natürlich passieren auch dann kleine Unfälle, aber die bleiben im Rahmen – und genau sie geben dem Aquarell seine spektakuläre Optik.

Klatschnass schaut so aus! Kann aber auch zauberhaft sein!

Feucht gibt dir Kontrolle. Schau in die Bäume!

Bei sehr viel Wasser ist es dagegen wie Milch im Kaffee: Einmal hineingekippt, lässt sich die Mischung nicht mehr aufhalten.

Beim Aquarell möchten wir genau den kleinen Moment davor erwischen. Die Farben sollen sich begegnen, ineinanderfließen – und trotzdem noch etwas von sich selbst behalten.

Nicht weniger Mut. Nur ein bisschen weniger Wasser.

Auf dem Papier mischen – hilfreiche Tipps

Du darfst dir dieses Unterrichtsmaterial gerne herunterladen. Dann gib ein kleines bisschen zurück. Mit deiner Spende hilfst du mir, weiterhin gutes Unterrichtsmaterial für alle frei zugänglich zu machen.

Hier noch weitere Tipps:

Die zweite Farbe darf etwas sämiger sein.

Ist das Papier schon feucht, brauchst du nicht noch mehr Wasser. Setze die nächste Farbe etwas konzentrierter hinein. So entstehen schöne Farbinseln, statt dass alles davonschwimmt.

Schau auf den Glanz.

Glänzt das Papier stark, läuft die Farbe wie verrückt. Wird der Glanz seidig, wird sie ruhiger. Wird das Papier matter, läuft sie kaum noch. Der Glanz ist unsere kleine Fernbedienung für den Zufall.

Pfoten weg vom Pinsel!

Setze die Farbe hinein und lass sie machen. Sobald du anfängst herumzurühren, mischst du wieder selbst – und aus den schönen Zufälligkeiten wird schnell Farbbrei.

Kippe lieber das Blatt.

Will die Farbe nicht dorthin, wo du sie haben möchtest, dann schiebe sie nicht mit dem Pinsel. Kippe das Papier ein wenig. Die Schwerkraft kann erstaunlich gut malen.

Ein letzter Tipp:

Und vielleicht ist das heute mein wichtigster Tipp an dich: Wenn du das nächste Mal vor deinem Bild sitzt und denkst:

„Oh Gott, das wird nichts!“, dann denk an mich.

Mit dem Pinsel in der Hand, dem dringenden Wunsch, irgendetwas zu retten – und hoffentlich inzwischen mit genug Verstand, ihn einfach wieder hinzulegen.

Wir müssen beim Malen nicht immer alles im Griff haben. Vielleicht verbindet uns genau das: Wir lernen gemeinsam, der Farbe ein bisschen mehr zu vertrauen.

Probier es aus. Lass sie laufen.

Ganz liebe Grüße
Tine

P.S.

Du darfst dir diese Grafik sehr gerne ausdrucken oder speichern. Sie stammt aus meinem Unterrichtsmaterial, denn ich möchte, dass du aus diesem Blog wirklich etwas für dein Malen mitnimmst.

Solche Inhalte entstehen allerdings nicht nebenbei. Dahinter stecken viel Arbeit, Erfahrung und Fachwissen. Wenn dir meine Arbeit hilft, unterstütze den Blog bitte mit einer kleinen Spende. So können solche Inhalte weiterhin für alle frei bleiben.

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Granulierende Farben:

Lebhaft zu sein bedeutet, das Leben laut zu lieben.

Granulierende Farben wirken sehr lebhaft. Sie machen Bilder lebendig.

Granulierende Farben sind Aquarellfarben, deren Pigmente sich beim Trocknen nicht gleichmäßig verteilen.

Stattdessen sammeln sie sich in den Vertiefungen des Papiers und bilden eine körnige, lebendige Struktur.

Deshalb sehen die Bilder aus, als wären sie von Impressionisten gemalt. Genau dieser Effekt ist der Grund, warum sie derzeit so beliebt sind.

Granulation erzeugt fast von selbst Strukturen, die an Stein, Felsen, Erde oder verwitterte Mauern erinnern.

Gerade Landschaftsmaler profitieren davon. Die Bilder sehen natürlicher und lebendiger aus!

Wer Granulation beherrscht, malt lebendige Bilder.

Granulierende Farben sind Charakterköpfe.

Sie haben manchmal ihren eigenen Willen. Viele Hobbymaler haben festgestellt: Bei Profis sehen granulierende Farben toll aus. Malt man selbst damit, ist das Ergebnis oft nicht so schön – oder die Granulation tritt erst gar nicht auf. Warum?

Man muss also ein bisschen Fachwissen haben, um granulierende Farben zu beherrschen.

Die folgenden Absätze helfen dir, den Effekt besser zu verstehen.

Nicht jede Farbe granuliert.

Es gibt nur einige wenige Farben, die wirklich granulieren. Das sind die folgenden Pigmente:

Wenn man nur die wichtigsten granulierenden Pigmente nennen möchte, sind es:

• PB29 – Ultramarin (der Klassiker schlechthin)
• PB28 – Kobaltblau
• PB35/PB36 – Cerulean Blue
• PG50 – Kobalttürkis
• PV14 – Kobaltviolett

Meistens sind dies Blautöne. Es gibt aber auch ein paar Naturtöne, die granulieren. Meistens steckt Eisenoxid in den Pigmenten.

Granulierende Gelbtöne

Warum?
Gelboxide und Ocker sind natürliche oder synthetische Eisenoxide. Ihre Pigmente sind relativ grob und erzeugen deshalb eine feine Körnung.

Granulierende Rottöne

Granulierende Naturtöne:

Es gibt nur wenige Pigmente, die von Natur aus stark granulieren. Meist handelt es sich um Blautöne, aber auch einige Rot-, Gelb- und Naturtöne zeigen diesen Effekt. Der Grund ist fast immer derselbe: Die Pigmente sind entweder besonders grob oder enthalten Eisenoxide. Dadurch setzen sie sich beim Trocknen in den Vertiefungen des Papiers ab und erzeugen die charakteristische körnige Struktur.

Granulierende Farben können oft den Eindruck erwecken, als würden sie gar nicht granulieren.

Meist liegt das jedoch an der Verarbeitung.

Aquarellfarben brauchen viel Wasser – granulierende Farben sogar noch etwas mehr. Warum? Die Pigmente müssen im Wasser „schwimmen“ können, damit sie sich beim Trocknen ungleichmäßig in den Vertiefungen des Papiers absetzen. Wer die Farbe zu pastos oder mit zu wenig Wasser verwendet, wird kaum einen Granulationseffekt erzielen.

Das Pigment granuliert, wenn es schwimmt!

Ein weiterer Grund ist die Haltung des Aquarellpapiers. Normalerweise ist es sinnvoll, das Brett leicht schräg zu stellen, damit das Wasser eine Fließrichtung erhält. Granulierende Farben benötigen jedoch etwas Zeit, damit sich die meist schweren Pigmente absetzen können. Ist das Papier zu steil geneigt, fließen die Pigmente mit dem Wasser mit, anstatt sich auf dem Blatt niederzulassen.

Der Trick:

Wer eine möglichst starke Granulation erzielen möchte, sollte das Blatt möglichst waagerecht oder nur ganz leicht geneigt halten.

So haben die Pigmente genügend Zeit, sich abzusetzen und ihre charakteristische körnige Struktur zu entwickeln.

Granulierende Farben und die Gefahr von Dreck!

Natürlich haben die Hersteller von Aquarellfarben mittlerweile bemerkt, dass granulierende Farben schwer im Trend liegen. Deshalb kann man unendlich viele granulierende Töne kaufen.

Granulierende Farben kann man recht einfach selbst mischen, denn ist eine granulierende Farbe in der Mischung enthalten, granuliert auch der Mischton – wenn auch nicht so stark wie das ursprüngliche granulierende Pigment.

Hier granuliert Französisches Ultramarin.

Besonders eignen sich PB29 (Französisches Ultramarin) sowie PB35 und PB36 (Cobalttöne), um andere Farben zum Granulieren zu bringen.

Granulierende Farben und die Marktwirtschaft.

Ich möchte jedoch von gekauften granulierenden Mischfarben ein wenig abraten.

Die Hersteller haben nämlich das gleiche Problem wie du. Sie müssen ein stark granulierendes Pigment in ihre Farbmischungen bringen.

Sehr häufig ist dies Französisches Ultramarin, denn diese Farbe granuliert besonders stark.

Französisches Ultramarin ist allerdings der wärmste Blauton. Deshalb kann man damit zum Beispiel kein schönes Grün mischen. Jetzt beginnt man zu tricksen, und in den gekauften Farben stecken dann zwei oder sogar vier Pigmente.

Wenn du beginnst zu mischen, stecken dann drei, vier oder sechs Pigmente in deinem Farbton. Die Folge ist, dass sich einige der Pigmente gegenseitig neutralisieren. Das heißt:

Du produzierst beim Mischen Dreck!

Hinzu kommt, dass auch Eisenoxidpigmente in den granulierenden Erdtönen deine Farben dämpfen.

Viele der granulierenden Farben haben sehr schöne, bildhafte Namen. Oft erinnern sie an Natur und Wüste, weil sie Erdpigmente und Oxide enthalten.

Im Grunde heißt das: Diese Farben dämpfen die Leuchtkraft deiner Mischungen garantiert!

Generell kann man die granulierenden Mischfarben der Hersteller benutzen. Es gibt auch einige sehr gelungene Farbtöne.

Aber man bezahlt dafür mit dem Verlust der Leuchtkraft beim Mischen.

Granulation mit Gefühl statt Zufall.

Generell möchte ich gar nicht über die Farbhersteller schimpfen. Sie folgen schließlich nur den Bedürfnissen des Marktes.

Dennoch haben die Hersteller wesentlich bessere Farben im Programm. Es gibt wunderschöne granulierende Farbtöne, die nur aus einem oder wenigen Pigmenten bestehen. Deshalb ist es deutlich sinnvoller, sich eine kleine Auswahl solcher Farben zuzulegen.

Wer die einzelnen Pigmente kennt, kann ihre Wirkung beim Mischen gezielt steuern. Das ist wesentlich besser, als fertige Mischfarben mit vielen Pigmenten zu kaufen.

Die wichtigsten granulierenden Farben.

PB29 – Französisches Ultramarin
Der Klassiker unter den granulierenden Pigmenten. Es granuliert besonders stark und eignet sich hervorragend zum Mischen vieler granulierender Farbtöne. Dies ist die Basisfarbe aller granulierenden Aquarelle. Es mischt allerdings nur matte, dumpfe Grüntöne.

PG50 – Kobalttürkis
Eines der leuchtkräftigsten granulierenden Pigmente. Ideal für Wasser, Himmel und frische Türkistöne mit faszinierenden Strukturen. Es gleicht die Schwächen des Französischen Ultramarins beim Mischen von Grüntönen aus.

PR101 – Caput Mortuum
Ein stark granulierendes Eisenoxidpigment. Perfekt für warme Rot-, Braun- und Violetttöne sowie Felsen, Dächer und Mauern. Doch diese Farbe empfehle ich nur mit Bauchschmerzen. Sie muss mit viel Fingerspitzengefühl angewendet werden. Es ist eine Farbe, die in kleinen Mengen Struktur verleiht.

PY43 – Goethit
Ein natürliches Erdpigment mit schöner Granulation. Hervorragend für Sand, Erde, Herbstlandschaften und warme Gelbtöne.

PB35 oder PB36 – Cerulean
Ein klassisches Himmelblau mit feiner bis kräftiger Granulation. Unverzichtbar für atmosphärische Himmel, Wasser und kühle Mischungen.

Dies ist eine kleine Liste granulierender Farben, die beim Erstellen von Bildern sehr hilfreich sein können. Mit dieser eher kleinen Auswahl kann man viele Mischfarben granulieren lassen.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

Ach, stopp! Noch ein kleiner Tipp.

Nicht immer ist Granulation erwünscht. Granulierende Farben sprenkeln besonders stark, wenn viel Wasser im Spiel ist – also ausgerechnet bei Himmel und Wasserflächen. Und ein Himmel voller Flecken ist nicht jedermanns Sache!

Deshalb kann es sinnvoll sein, eine nicht oder weniger granulierende Alternative im Farbkasten zu haben. Sie sieht farblich fast gleich aus, macht aber deutlich weniger Krümel.

Bei French Ultramarin ist das zum Beispiel Ultramarin feinst, bei Cerulean kann Lavender eine Alternative sein.

Und noch ein Tipp, für den ich selbst sehr dankbar war: Wasser wechseln! Granulation ist nämlich ansteckend. Pigmentteilchen landen im Malwasser und wandern von dort in die nächste Farbe. Wer nicht möchte, dass plötzlich alles sprenkelt: frisches Wasser!

So, jetzt weißt du, warum es in manchen Farben heimlich glitzert, krümelt und sprenkelt. Probier es einfach aus – denn am Ende lernt man Aquarellfarben am besten kennen, wenn man sie machen lässt.

Ich wünsche dir ganz viel Freude beim Malen, ein bisschen Mut zum Zufall und natürlich genau die richtige Menge Krümel im Bild.

Bis nächste Woche und liebe Grüße
Tine

Kostenloses Fachwissen ist eine feine Sache. Besonders für den, der es liest. 😉

Fachwissen frei zugänglich zu machen, ist allerdings nicht ganz kostenlos. Irgendjemand muss Farben kaufen, ausprobieren, recherchieren und diesen ganzen Kram auch noch aufschreiben. Seltsamerweise erledigen das die Heinzelmännchen nicht.

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St.Gallen

Ich sitze auf der Straße, direkt unter dem Standbild eines Reformators, und male. Eigentlich bin ich ganz gut im Fluss.

Da tritt eine ältere Dame auf mich zu. Sie ist begeistert von meinem Bild – und offensichtlich auch von allem, was es rundherum noch zu entdecken gibt.

„Schauen Sie mal hier!

Und das da in der Schnitzerei ist mein Lieblingselefant. Und wenn Sie sich jetzt einmal umdrehen: Der Erker ist ganz wunderbar! Haben Sie eigentlich schon die zweite Kirchenspitze gesehen? Sie sind hier sicher im Urlaub.“

Ich lächle freundlich. Dann ist sie weg. Aber erst, nachdem sie mich total konfus gemacht hat!

Und ich schaue auf mein Bild.

Wo war ich gerade noch mal?

Ich habe keine Ahnung mehr, wie viele Kirchenspitzen dieser Turm eigentlich hat. Noch schlimmer: Wie war die Aufteilung? Wo saß was?

Das Gespräch könnt ihr heute noch wunderbar in meinen etwas krummen Kirchenspitzen sehen.

Was mir in diesem Moment den Hintern gerettet hat, war Grau.

Grau ist im Aquarell und ganz besonders beim spontanen Skizzieren eine wunderbar hilfreiche Farbe. Ist es dunkel genug, kann es bereits aufgetragene Farbe strukturieren und  manchen kleinen Fehler im Nu verschwinden lassen.

Doch das ist gar nicht seine wichtigste Aufgabe.

Grau schafft Ruhe. Es hält sich zurück und gibt damit den anderen Farben Raum.

Die kleine graue Maus lässt die anderen Farben leuchten.

Ausgerechnet Grau – wie Grau Farben schön macht!

Grau hat ein ausgesprochen schlechtes Image.

Grau ist Nebel. Grau ist November. Grau ist still und trüb, während Rot, Gelb und Türkis auf dem Tisch tanzen.

Aber genau das ist seine Aufgabe!

Dadurch, dass Grau eben nicht auf dem Tisch tanzt, können die anderen zeigen, wie schön und farbig sie sind.

Denn wer ein Bild malt, in dem alles gleich bunt und gleich wichtig ist, malt meistens ein ziemlich langweiliges Bild. Wenn alle Farben gleichzeitig rufen: „Schau mich an!“, weiß unser Auge irgendwann überhaupt nicht mehr, wohin es schauen soll.

Das ist eines der kleinen Paradoxe der Malerei:

Wir müssen Farbe zurücknehmen, damit Farbe stärker wirken kann.

Grau im Aquarell – ein wunderbarer Farbenschmeichler

Damit Grau diese Rolle übernehmen kann, muss es einiges leisten. Es muss sich anpassen, verbinden, beruhigen und manchmal einen Gegenpol bilden.

Ein gutes Grau ist deshalb keineswegs immer einfach nur grau.

Viele Aquarellmaler greifen zu einem fertigen Grau wie Payne’s Grey. Und daran ist zunächst überhaupt nichts falsch. Es schafft Dunkelheiten, beruhigt Flächen und bringt schnell Struktur ins Bild.

Doch damit verschenken wir Möglichkeiten.

Der Hersteller hat bereits etwas für uns angerührt. Ob genau dieses Grau zu unserem Bild und unseren Farben passt, ist mehr oder weniger Zufall.

Vielleicht braucht unser Bild einrötliches  Grau, das ein Blau unterstützt. Oder ein kühles, leicht bläuliches Grau, neben dem Orange plötzlich Feuer fängt. Vielleicht brauchen wir ein violettes, grünliches oder rötliches Grau.

Dies sieht man im Bild ganz genau: Neben den orangen Dächern wird das Grau blau.

Denn Grau ist nicht einfach die Abwesenheit von Farbe. Grau kann genau die Farbe enthalten, die unser Bild gerade braucht.

Wer sein Grau selbst mischt, bekommt ein Werkzeug, mit dem er die anderen Farben schöner machen kann.

Grau im Aquarell – warum fertiges Grau nur die zweite Wahl ist

Schon wenn man Grau aus nur zwei Farben mischt, zum Beispiel aus Ultramarinblau und gebranntem Siena, wird es lebendig.

Und plötzlich habe ich etwas Entscheidendes in der Hand: Ich kann mein Grau steuern.

Ich kann es dunkler oder heller, wärmer oder kühler machen. Mal darf das Blau stärker hervortreten, mal das Braun.

Grau ist also letztendlich gar nicht grau.

Schaut euch meinen Kirchturm an. Hier ist mein Grau so dunkel, dass es fast schon Dunkelblau oder Schwarz ist. Damit strukturiere ich den Turm – und ganz nebenbei kann ich meine etwas verunglückten Kirchenspitzen wieder in den Griff bekommen.

Doch das dunkle Grau kann noch mehr.

Das Grün der Kirchturmspitze im Hintergrund beginnt daneben stärker zu leuchten.

Der deutliche Hell-Dunkel-Kontrast trennt den Turm von seiner Umgebung und macht ihn zum Hingucker.

Gleichzeitig bekommt er durch das Spiel aus Licht und Schatten Volumen.

Mit Grau kann ich die Farbstimmung steuern

Nun schaut euch meine Schatten an. Sie sind keineswegs neutral grau. Viele davon sind fast violett. Schau ins Bild!

Aus Ultramarin und gebranntem Siena bekomme ich wunderbare Grautöne, aber einen solchen violetten Schatten kann ich damit kaum gezielt mischen.

Deshalb mische ich meine Grautöne und Schatten sehr gerne aus meinen Grundfarben.

In diesem Bild arbeite ich mit

Indischgelb, Permanent Rose – also einem kühlen, pinkfarbenen Rot – und meinem Ultramarin Blau.

Mit diesen drei Grundfarben kann ich mein Grau in fast jede Richtung schieben:

Mehr Blau – und es wird kühler. Mehr Permanent Rose – und es wandert Richtung Violett. Mehr Gelb – und es wird wärmer oder neutralisiert sich, je nachdem, welche Farbe vorher überwogen hat.

Ich mische nicht irgendein Grau. Ich mische genau das Grau, das mein Bild braucht.

Grau kann Farben zum Leuchten bringen

Mein Bild enthält sehr viele Grau- und Blautöne. Das birgt eine Gefahr: Es kann schnell kalt und trüb werden.

Deshalb gebe ich meinen Grautönen Farbe.

Der blaue Turm bekommt zum Beispiel einen warmen violetten Schimmer. Dadurch wirkt das Bildzentrum freundlicher und farbiger.

Und nun schaut auf das rötlich-gelbe Haus neben dem Kirchturm. Es ist ein Hingucker – aber nur, weil es in seiner Umgebung dieses große graue Haus gibt.

Gelb und Violett sind Komplementärfarben.

Stehen sie nebeneinander, steigern sie gegenseitig ihre Wirkung. Das Gelb erscheint leuchtender, weil das Violett ihm einen Gegenpol bietet.

Genau das ist die Macht der Komplementärfarben.

Mit Grau kann ich zeigen, was wichtig ist

Damit wird Grau zu einem Werkzeug für den gesamten Bildentwurf.

Die farbigeren Grautöne und stärkeren Kontraste konzentrieren sich dort, wo ich den Blick des Betrachters haben möchte. Unwichtige Bereiche dürfen ruhiger und neutraler werden. Im Bildzentrum dagegen lasse ich die Farben miteinander spielen.

Mit Grau schaffst du immer Kontraste.

Das heißt: Ist das Bild zu kühl, wird dein Grau warm. Ist eine Farbe nicht leuchtend genug, dann gibst du ihr Dunkelheit oder einen Komplementärkontrast.

Der Komplementärkontrast

Mische ich beispielsweise aus Blau und Permanent Rose einen violetten Ton und breche ihn anschließend mit einem Hauch meines Gelbs, entsteht ein wunderschönes violettes Grau. Dieses Grau stärkt das gelbliche Haus durch den Komplementärkontrast.

Komplementärkontraste sind Farben, die sich genau auf der anderen Seite des Farbkreises gegenüberliegen.

Dadurch liegen die Wellenlängen weit auseinander und lassen sich gegenseitig leuchten.

Gleichzeitig steckt in meinem gemischten Grau bereits dasselbe Gelb, das auch an anderer Stelle im Bild vorkommt.

Die Farben sind also Gegenspieler – und trotzdem miteinander verwandt.

Genau deshalb erzeugt das Mischen von Grautönen aus den Grundfarben eine enorme Farbharmonie. Die gleichen Farben tauchen immer wieder auf, nur in völlig unterschiedlichen Mischungsverhältnissen.

Und genau darin liegt für mich die eigentliche Stärke von Grau: Ich kann damit Fehler ausbügeln, Formen strukturieren, Licht und Schatten erzeugen, Farben zum Leuchten bringen und den Blick des Betrachters lenken.

Die kleine graue Maus ist also gar nicht so unscheinbar.

Eigentlich führt sie im ganzen Bild Regie.

Ich wünsche dir eine gute Zeit und viel Spaß beim Malen!

Tine

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Weiterlesen bei Tine:

https://blog.herz-der-kunst.ch/grundfarben-simplify/

Grundfarben! Simplify!

Auf der Straße malen

Heute möchte ich euch darauf vorbereiten, auf der Straße zu malen.

Letzte Woche gab es keinen Blog. Ich war nämlich auf einer wunderbaren Urban-Sketching-Veranstaltung in St. Gallen. Dort treffen sich Menschen, die gemeinsam auf der Straße zeichnen und malen. Und ich kann euch nur sagen:

Dieses Gefühl ist großartig.

Auf der Straße waren sicherlich 300 Menschen, die malten und zeichneten. Gerade am Anfang gibt dir diese Masse unglaublich viel Schutz. Denn wenn es alle tun, ist es plötzlich nicht mehr peinlich. Du sitzt nicht mehr allein mit deinem Skizzenbuch irgendwo auf der Straße und denkst:

Um Gottes willen, jetzt gucken alle auf mich.

Denn ein Bild sieht, während du es malst, oft längst nicht so hübsch aus wie das fertige Bild.

St. Gallen in der Kugelgasse. Hier habe ich nicht nur gemalt, sondern auch jede Menge Menschen kennengelernt. Sie haben mich gelobt, ich habe ihr halbes Leben erfahren und ganz nebenbei noch eine kleine Stadtführung bekommen, weil mir jeder etwas über seine Stadt erzählte.

Die Leute sehen sofort:

Hier ist etwas los!

Denn an jeder Ecke sitzen Menschen, malen und zeichnen.

Ich wurde unglaublich oft angesprochen: „Was ist denn hier los? Warum malen hier alle? Und wie kann ich da mitmachen?“

Und genau dazu möchte ich heute auch dich animieren:

Mach mit!

Um Gottes willen, jetzt sehen alle, was ich hier mache!

Natürlich kostet es Überwindung, sich mit seinem Skizzenbuch auf die Straße zu setzen.

Aber genau das verliert sich erstaunlich schnell.

Schon klar: Die Leute, mit denen du zusammen zeichnest und malst, sind meistens sehr nett. Ihr habt gemeinsame Interessen, schaut gemeinsam auf die Welt und deshalb kommt man schnell miteinander ins Gespräch.

Aber was ist mit den anderen Leuten auf der Straße?

Denn sobald ihr auf der Straße malt, passiert etwas Merkwürdiges:

Wildfremde Menschen sprechen euch an.

Ganz oft bildet sich ein kleiner Menschenauflauf, wenn du beginnst zu zeichnen oder zu malen. Ich habe hier ein Bild aus Malaysia. Dieses Phänomen ist international – und auch in der Schweiz werden dich immer wieder Menschen ansprechen. Denn in St. Gallen hatte ich kaum einen Moment, in dem nicht jemand hinter mir stand, zuschaute oder fotografierte.

Kein anderer Beruf würde so behandelt wie ein Künstler auf der Straße. Niemand würde zu einem Koch, der gerade Würstchen brät, gehen und sagen:

„Also, ich kann auch Würstchen braten. Und ich kann Ihnen eines sagen: Ich würde ganz andere Würstchen nehmen!“

Bei einem Künstler ist das vollkommen normal.

„Also!!! Meine Tante Elli malt ganz wunderbar.“

Die Leute bleiben stehen, schauen dir über die Schulter und erzählen dir, dass sie auch malen, früher einmal gemalt haben. Und erstaunlich viele haben auch gleich einen guten Ratschlag für dich.

Durch Kunst erwacht der Mensch zum Leben

Warum behandeln dich wildfremde Menschen plötzlich so, als würden sie dich seit Jahren kennen?

Niemand würde zu einem Elektriker gehen, mit ihm über Drähte fachsimpeln und ihm dann noch Tipps geben, obwohl er überhaupt keine Ahnung von Elektrik hat.

Wenn du auf der Straße malst, wird deine Arbeit sichtbar. Die meisten Menschen üben ihre Berufe und Hobbys hinter verschlossenen Türen aus. Doch du sitzt mitten auf der Straße.

Das macht dich interessant.

Du wirst also zu einer Person des öffentlichen Lebens.

Die Menschen können beobachten, wie aus einem weißen Blatt langsam ein Bild entsteht. Und das löst etwas aus: Gefühle, Erinnerungen, Neugier und manchmal auch Widerspruch.

Viele Menschen sind es gar nicht mehr gewohnt, ihre Umgebung wirklich anzuschauen. Sie laufen täglich durch ihre Stadt und nehmen vieles kaum noch bewusst wahr.

Und du malst genau das Haus, an dem dieser Mensch vielleicht seit zwanzig Jahren jeden Morgen vorbeiläuft.

Plötzlich schaut er hin.

Mach dir ganz einfach klar: Du erweckst Menschen, die jahrelang blind durch ihre Stadt gelaufen sind, zum Leben.

Du wirst zum Augenöffner.

Deine Kunst erzeugt Sehen im Gehirn des Anderen.

Deshalb sind die Kommentare der Menschen auch nicht unbedingt ein Urteil über dein Bild. Oft erzählen sie viel mehr über den Kopf des anderen Menschen als über deine Kunst.

Von der großen Bewunderung

Wenn man auf der Straße malt, schämt man sich manchmal ein bisschen. Besonders in den Phasen, in denen das eigene Bild noch etwas schäbig aussieht.

Doch mach dir klar: Viele Menschen sind ein bisschen neidisch auf dich.

Du kannst besser malen und zeichnen als die allermeisten Menschen. Viele wären selbst gerne kreativ, haben aber nicht den Mut dazu.

Die Menschen suchen nicht die Verbindung zu dir, weil sie dein Bild doof finden.

Sie suchen die Verbindung zu dir, weil du sie anregst und inspirierst.

Die meisten Menschen würden selbst gerne malen. Einen Künstler anzusprechen erlaubt ihnen, für einen kleinen Moment an deiner wunderbaren Welt teilzuhaben.

Warum reden eigentlich alle mit Künstlern?

Wenn Menschen dir beim Malen zusehen, können sie für einen kleinen Moment durch deine Augen schauen.

Sie vergleichen: Was ist dort auf der Straße? Was sieht sie? Was sehe ich? Und was malt sie jetzt gerade?

Dadurch zeigst du ihnen eine Art des Sehens, die sie vielleicht selbst gar nicht haben.

Und genau das erklärt auch, warum sie so wenig Scheu haben, mit dir Kontakt aufzunehmen.

Wenn also ein wildfremder Mensch auf dich zukommt, dann mach dir eines klar:

Wahrscheinlich hat dieser Mensch schon eine ganze Weile hinter dir gestanden und mit dir zusammen gesehen.

Für dich ist er noch ein Fremder. Für ihn bist du es längst nicht mehr.

Vielleicht nervt es dich manchmal, dass dich so viele Menschen ansprechen. Aber denk daran:

Du bist eine Inspirationsquelle.

Vielleicht hat dieser Mensch jahrelang keinen Fremden auf der Straße angesprochen. Und nun hast du ihn so bewegt, dass er auf dich zugeht.

Mensch, Mann, Kind, Hund

Auf der Straße zu malen ist ein Bad in der Menge. Man lernt sie alle kennen: Mensch, Mann, Kind, Hund.

Tatsächlich bereichert mich das Reisen auch beim Malen und Zeichnen. Man erlebt etwas, man sieht Orte und Menschen, lernt andere Blickwinkel kennen – und das Leben ist alles andere als langweilig.

Meistens sind diese Kontakte sehr positiv. Menschen sagen dir, wie wunderbar sie dein Bild finden. Sie fragen nach Malunterricht oder möchten ein Bild kaufen.

Und manchmal wird es etwas spooky.

Die Gefühle brechen aus den Menschen heraus und sie erzählen dir Dinge, über die sie sonst wahrscheinlich mit niemandem sprechen würden.

Irgendwer erzählt dir dann, dass das alles so wunderschön ist und dass Malen sicher auch bei den eigenen psychosomatischen Problemen und dem Brechdurchfall helfen würde.

Da weiß ich manchmal nicht, ob ich lachen oder weinen soll.

Aber mach dir klar: Du hast diesen Menschen bewegt.

Natürlich bist du trotzdem kein unbezahlter Psychotherapeut.

Wie hält man sich lästige Plagegeister vom Hals?

Du musst nicht mit jedem Menschen reden, der dich anspricht.

Freundlichkeit bedeutet nicht, dass du deine Konzentration verschenken musst.

Wenn du deine Ruhe möchtest, mach dich ein bisschen unzugänglich. Kopfhörer sind dafür großartig – selbst wenn gar keine Musik läuft.

Auch dein Blick ist wichtig. Sobald du Blickkontakt aufnimmst, öffnest du die Tür zum Gespräch. Malst du einfach weiter, verstehen die meisten Menschen, dass du konzentriert bist.

Und wenn nicht, darfst du freundlich sagen:

„Danke schön! Ich muss mich gerade sehr konzentrieren.“

Oder noch besser:

„Entschuldigung, ich muss jetzt wirklich weitermalen, sonst trocknet mir die Lasur weg.“

Das ist beim Aquarell nicht einmal gelogen.

Auch dein Sitzplatz entscheidet darüber, wie viel Publikum du bekommst. Direkt an der Fußgängerzone oder neben einem Café? Publikum garantiert. Etwas seitlich, mit dem Rücken zu einer Wand oder einem Baum? Viel mehr Ruhe – und niemand kann direkt hinter dir stehen.

Wenn du dagegen Lust auf Menschen hast, mach genau das Gegenteil. Sitz offen, schau hoch, lächle und rede mit ihnen.

Du entscheidest, wie weit du deine Tür öffnest.

Und lass dich von ungefragter Kritik nicht aus der Ruhe bringen. Der Mensch, der drei Minuten hinter dir gestanden hat und sagt: „Da fehlt aber noch ein Fenster“, ist nicht plötzlich dein Mallehrer geworden.

Lächle.

Und mal weiter.

Denn beim Malen auf der Straße gehört nicht nur Mut dazu, sich hinzusetzen. Man muss auch lernen, seine eigenen Grenzen freundlich zu verteidigen.

Und denk immer daran:

Du bist wunderbar!

Liebe Grüße
Tine

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Machst du mit?

Malen und Zeichnen ist eine Leidenschaft. Und noch viel mehr Spaß macht es, diese Leidenschaft gemeinsam mit anderen zu teilen.

Hier gebe ich dir nun einige Adressen, über die du Urban Sketchers in deiner Umgebung findest. Schau nach Treffen, Sketchwalks und größeren Events – und dann trau dich einfach und geh hin!

Und jetzt bist du dran!

Möchtest du selbst einmal so ein schönes Event besuchen und mit anderen auf der Straße malen und zeichnen?

Schweiz:
Urban Sketchers Switzerland

Deutschland:
Urban Sketchers in Deutschland – Übersicht der regionalen Gruppen

Weltweit:
Urban Sketchers – weltweite Chapter-Karte

Dort kannst du nach einer Gruppe in deiner Nähe suchen. Mittlerweile gibt es weltweit fast 600 offizielle Urban-Sketchers-Chapter.

Und das Schöne daran: Du musst nicht erst „gut genug“ sein. Die Treffen sind zum gemeinsamen Zeichnen da.

Also: Skizzenbuch einpacken und los!

Noch 2 Plätze in Zürich frei:

Aktuelle Kurse mit Tine Klein

Heute möchte ich über das Malen mit einer erweiterten analogen Farbpalette schreiben.

Klingt erst einmal ein bisschen nach Farbtheorie – ist aber eigentlich ganz einfach.

Und beim Malen ausgesprochen praktisch.

Was ist überhaupt eine analoge Farbharmonie?

Eine analoge Farbpalette bewegt sich nur auf einer Seite des Farbkreises. Du benutzt also Farben, die dort mehr oder weniger nebeneinanderliegen, zum Beispiel:

 Gelb-Grün -Blau.

Das Schöne daran:

Diese Farben verstehen sich untereinander sehr gut.

Denn sie sind durch das Mischen miteinander verwandt. Das Bild wirkt angenehm, ruhig und wie aus einem Guss. Schrille Gegensätze und starke Komplementärkontraste fehlen. Ein kräftiges Blau, das einem Orange ordentlich Konkurrenz macht, kommt beispielsweise gar nicht erst ins Spiel.

Das bedeutet natürlich nicht, dass solche Bilder langweilig sein müssen. Ganz im Gegenteil. Die Farbwirkung kann ausgesprochen reich und lebendig sein – nur eben harmonischer und geschlossener.

Und beim Malen hat das enorme Vorteile. Man muss nicht ständig aufpassen, ob sich die Farben gegenseitig beißen. Vieles darf ineinanderlaufen, sich auf dem Blatt mischen und ganz selbstverständlich miteinander verbinden. Hier sieht man das in Gelb-Orange-Rot

Doch nur Gelb, Orange und Rot?

Der Vorteil ist, dass die Farben ohne Störung stark wirken. Doch wenn man mit solchen nah verwandten Farbpaletten malt, kann einiges schiefgehen:

Denn fehlen die Kontraste, wird es langweilig!

Und genau deshalb wird es interessant: Wir erweitern die analoge Farbpalette um gebrochene Farben, Grau, Braun und Violett.

Damit bekommen wir plötzlich Dunkelheiten, Schatten und wunderbar zurückhaltende Zwischentöne – ohne die gemeinsame Farbstimmung des Bildes zu zerstören.

Und genau darum geht es heute.

Farbharmonie braucht Kontraste!

Die Falle für analoge Farbharmonien liegt in ihrer Kontrastarmut, denn alle Farben sind miteinander verwandt. Genau das macht sie so schön harmonisch – und kann gleichzeitig zum Problem werden.

Denn ein Bild braucht Kontraste!

Fehlen sie, wird aus harmonisch ganz schnell langweilig. Die Farben liegen zu nah beieinander, Flächen beginnen miteinander zu verschwimmen und dem Auge fehlt etwas, woran es hängen bleiben kann. Das Bild ist zwar schön einheitlich, aber es passiert einfach zu wenig.

Auch hier sieht man: Die Kontraste machen es! Durch die Komplementärfarbe Lila wirkt das Ganze viel intensiver.

Bei einer analogen Farbpalette, also wenn ein solcher Farbkontrast fehlt, ist es umso wichtiger, andere Kontraste gezielt einzusetzen.

…der Hell-Dunkel-Kontrast besonders wichtig.

Wenn starke Farbkontraste fehlen, müssen Licht und Dunkelheit die Arbeit übernehmen. Ein tiefdunkler Schatten neben einer hellen, leuchtenden Fläche bringt sofort Spannung ins Bild.

Doch es gibt noch andere Möglichkeiten. Leuchtende Farben können neben gebrochenen Farben stehen, warme neben kühleren, kräftige neben grauen oder braunen Tönen. Auch harte und weiche Kanten schaffen Kontraste.

Das Wichtigste ist: Harmonie bedeutet nicht, dass alles ähnlich aussehen muss. Ein gutes Bild braucht Gegensätze. Gerade bei einer analogen Farbpalette muss man sie ganz bewusst erzeugen.

Und hier kommt die erweiterte analoge Farbpalette ins Spiel.

Farbharmonie: Welche Farben wurden benutzt?

• Indischgelb
• Zitronengelb
• Permanent Rose
• Alizarin Crimson

Und nun kommt die erweiterte Farbpalette ins Spiel:

• Ultramarinblau

Farbharmonie die Erweiterung durch Kontrast:

Aus den gelben und roten Farbtönen lassen sich zauberhafte Farbverläufe zwischen Gelb, Orange und Rot erzeugen.

Diese Farben eignen sich besonders gut für eine analoge Farbpalette, denn Rot ist an sich schon aufregend und bringt ordentlich Spannung ins Bild.

Aber warum wurde dieser Farbpalette nun Ultramarin hinzugefügt ?

– also ausgerechnet eine Farbe von der anderen Seite des Farbkreises? Und warum sieht man das Blau im fertigen Bild eigentlich gar nicht?

Genau hier kommt die erweiterte analoge Farbpalette ins Spiel.

Das Ultramarin ist nicht dazu da, als Blau sichtbar zu werden. Es wird benutzt, um die vorhandenen Farben zu verändern.

Besonders wichtig ist die Dunkelheit!

Denn mit Gelb und Rot allein lässt sich keine richtige Dunkelheit mischen.

Mehr Farben verderben den Effekt. In diesem Bild sind exakt die gleichen Farben unterwegs. Doch es wirkt viel unruhiger, weil die analoge Farbharmonie nicht mehr im Vordergrund steht. Die Farben werden nicht mehr wie durch einen Leitfaden miteinander verbunden.

Gebrochene Töne:

Ein weiterer Punkt sind die gebrochenen Töne. Erst im Zusammenspiel mit gebrochenen Farben werden strahlende Farben als besonders aufregend wahrgenommen. Wir kennen diesen Kontrast in vielfältiger Form:

Denn die Schöne wirkt neben dem Biest erst so richtig schön!

Im Grunde arbeiten wir ein bisschen wie Hollywood.

Wir werfen dem Auge eine gebrochene Farbe hin, damit es die strahlenden Farben als besonders schön empfindet.

Wir brechen also Gelb, Rot und Orange zu neutralen Tönen wie Grau, Braun und Grauviolett, damit der Rest so richtig schön strahlen kann.

Dabei zerstören wir die Farbharmonie aus Gelb, Rot und Orange nicht. Wir machen sie interessanter – durch den Kontrast zwischen strahlend und gebrochen.

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Liebe Grüße Tine

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Weiterlesen bei Tine – ein ganz alter Blog, trotzdem hilfreich:

https://blog.herz-der-kunst.ch/farbharmonie/

Die Sprühflasche im Aquarell – klein, günstig und erstaunlich wichtig

ei uns reißt das Thermometer inzwischen regelmäßig die 40-Grad-Marke. Für Aquarellmaler bedeutet das: Das Papier trocknet oft schneller, als man den Pinsel zur Hand nehmen kann. Gerade die Nass-in-Nass-Technik wird dadurch zu einer echten Herausforderung. Was im Frühjahr noch entspannt funktioniert hat, verlangt im Hochsommer plötzlich deutlich mehr Tempo.

Zum Glück gibt es ein Hilfsmittel, das kaum Platz in der Malkiste braucht und trotzdem einen enormen Unterschied macht: die Sprühflasche.

Sie kostet fast nichts, verlängert das ideale Feuchtigkeitsfenster und sorgt dafür, dass man auch an heißen Tagen ruhig und kontrolliert arbeiten kann. Für mich gehört sie deshalb inzwischen genauso selbstverständlich zur Grundausstattung wie Pinsel und Farben.

Statt gegen die Hitze anzumalen, lässt sich die Feuchtigkeit des Papiers gezielt steuern. Das macht das Malen nicht nur einfacher, sondern oft auch deutlich entspannter.

Warum überhaupt eine Sprühflasche?

Viele glauben, eine Nass-in-Nass-Technik bedeute einfach nur: möglichst viel Wasser. Das Gegenteil ist der Fall.

Entscheidend ist eine gleichmäßig feuchte Oberfläche.

Genau dabei hilft die Sprühflasche.

Mit einem feinen Sprühnebel lässt sich eine Lasur länger im idealen Feuchtigkeitsbereich halten. Man gewinnt Zeit, kann ruhiger arbeiten und muss nicht ständig neues Wasser mit dem Pinsel auftragen. Gerade große Himmel, Wasserflächen oder weiche Landschaften gelingen dadurch wesentlich entspannter.

Ein weiterer Vorteil: Das Papier trocknet gleichmäßiger.

Das Geheimnis eines gelungenen Aquarells ist oft erstaunlich unspektakulär:

ausreichend Wasser.

Nur wenn genügend Feuchtigkeit vorhanden ist, können sich die Pigmente gleichmäßig verteilen. Fehlt Wasser, wird das Aquarell schnell strichig, schmierig und verliert seine Leichtigkeit.

Text zum Bild: Die Woche war es im Gellertpark  (Basel) ganz schön heiß – und trotzdem wunderschön. Ich saß im strohtrockenen Gras und war fasziniert vom Kontrast zwischen dem verbrannten Gelb der Wiese, den violetten Schatten und den dunklen Bäumen. Die Halme wiegten sich sanft im Wind, während ich malte. Wegen der Hitze wurde es zwar nur ein schnelles Aquarell, aber manchmal haben gerade diese flüchtigen Momente ihren ganz eigenen Zauber. Liebe Grüße Tine

So wird richtig gesprüht

Die Sprühflasche ersetzt den Pinsel nicht – sie ergänzt ihn.

Gehalten wird sie etwa 30 bis 50 Zentimeter über dem Papier. Der Sprühstrahl sollte nicht direkt auf die Malfläche treffen – schließlich möchte man das Aquarell nicht erschießen. Lieber etwas in die Luft sprühen, sodass das Wasser wie ein feiner Nebel sanft auf das Papier rieselt.

Wichtig ist, nicht lange auf eine Stelle zu halten. Stattdessen wird mit einer fließenden Bewegung über das Papier gesprüht.

Lieber zwei bis drei feine Sprühstöße als einen kräftigen Wasserregen.

Das Ziel ist kein nasses Papier mit Tropfen, sondern ein gleichmäßiger, feiner Feuchtigkeitsfilm. Das Papier soll sanft glänzen, ohne dass sich Pfützen bilden.

Also: Weniger ist mehr! Dafür aber regelmäßig sprühen.

Ich beobachte dabei immer den Glanz der Oberfläche. Wird das Papier matt, genügt oft schon ein kurzer Sprühstoß, um wieder das ideale Zeitfenster für weiche Verläufe zu erreichen.

Die richtige Sprühflasche

Ist wirlich Problematisch!

Die meisten Sprühflaschen aus dem Kunstbedarf erzeugen einen relativ groben Wasserstrahl. Statt eines feinen Nebels landen einzelne große Tropfen auf dem Papier. Genau diese Tropfen können Blüten, Flecken oder harte Ränder verursachen.

Ich kann mir das nur so erklären, dass diese Sprühflaschen von Menschen eingekauft werden, die selbst kein Aquarell malen.

Sehr viel besser funktionieren Pumpzerstäuber aus der Haarpflege. Sie erzeugen einen unglaublich feinen, gleichmäßigen Nebel. Viele Friseure verwenden sie täglich, und genau diese Qualität macht sie auch für Aquarellmaler interessant.

Einfach das Badezimmer plündern!

Wer größere Formate malt, kann zu den großen, einstellbaren Sprühflaschen aus dem Friseurbedarf greifen. Dort lässt sich häufig regulieren, ob ein sehr feiner Nebel oder ein etwas kräftigerer Sprühstrahl gewünscht wird. Für großformatige Landschaften oder Himmel ist das äußerst praktisch.

Doch diese Sprühflaschen haben einen deutlichen Nachteil: Sie sind oft erstaunlich grob. Der Wasserstrahl ist so kräftig, dass man damit ein Aquarell regelrecht wegschießen kann.

Gezielt eingesetzt, kann dieser Effekt großartig aussehen.

Trifft der Wasserstrahl allerdings empfindliche Stellen im Aquarell, ist das Bild schnell ruiniert.

Zum Glück lässt sich der Sprühstrahl bei vielen Modellen einstellen. Mit etwas Übung und genügend Abstand zum Papier entsteht dennoch ein feiner Nebel, der sich gut zum Nachbefeuchten eignet.

Die kräftige Einstellung hat allerdings ebenfalls ihren Reiz. Mit ihr kann man große Tropfen über das Papier fliegen lassen. In farbigen Lasuren können dadurch lebendige, spannende Strukturen entstehen. Diese Technik verlangt allerdings etwas Erfahrung. Bis man sie beherrscht, wird man vermutlich die eine oder andere Lasur opfern müssen.

Ein bisschen Zerstörung inklusive.

Doch genau daraus lernt man, wie Wasser im Aquarell wirklich funktioniert.

Ein kleiner Helfer mit großer Wirkung

Die Sprühflasche gehört für mich inzwischen zur Grundausstattung – genau wie Pinsel und Farben.

Sie verlängert das Zeitfenster beim Nass-in-Nass-Malen, sorgt für gleichmäßig feuchte Lasuren und gibt deutlich mehr Kontrolle. Gerade Anfänger profitieren davon, weil sie nicht gegen die Uhr arbeiten müssen.

Und noch ein kleiner Sommertipp zum Schluss: Wenn die Temperaturen wieder Richtung 35 Grad klettern, bekommt bei mir nicht nur das Aquarell einen feinen Sprühnebel. Ich selbst liebe es, mir mit der Sprühflasche eine kleine Abkühlung zu verpassen! Malerin und Farbe arbeiten dann deutlich entspannter.

Aber es gibt noch einen dritten im Bunde, der sich über zwei oder drei kräftige Sprühstöße besonders freut: die Aquarellfarbe.

Bei großer Hitze trocknet sie im Farbkasten oder auf der Palette erstaunlich schnell aus. Dadurch wird es schwieriger, genügend Pigmente aufzunehmen. Die Farben wirken blasser, und leuchtende Lasuren gelingen nicht mehr so leicht.

Deshalb bekommen bei mir nicht nur das Papier, sondern auch der Farbkasten regelmäßig eine kleine Dusche.

Liebe Grüße
Tine

Ohne dich geht es nicht.

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Heute darf ich euch eine schöne Ankündigung machen: Im Herbstkurs geht es um das Malen von Wasser – und das ist ein spannendes Thema!

Denn Wasser ist eben nicht einfach nur Wasser!

Aber zuerst kommt noch ein richtig wichtiger Kurs in Zürich!

Tolle Farben sind kein Zufall. Wer Farben sicher mischen kann, malt entspannter, freier und mit deutlich mehr Freude. Ich freue mich auf euch!

https://blog.herz-der-kunst.ch/aktuelle-kurse-tine-klein/

Das Raffinierte an Wasser ist, dass es immer anders aussieht. Nicht nur die Farbe wechselt, sondern auch die Oberfläche und die Art, wie wir es sehen!

Aber keine Angst, Wasser zu malen ist nicht schwer, wenn man gelernt hat, genussvoll zu beobachten und das passende Rüstzeug hat. Und dies werde ich euch im Herbst geben.

Heute geht es jedoch um das Thema, wie Wasser in unterschiedlicher Entfernung wirkt.

Altnau Ch am Bodensee

Wasser in der Entfernung:

Wasser ist in der Entfernung nicht ruhiger oder unbewegter als das Wasser, das vor unseren Füßen an das Ufer schwappt.

Dennoch wirkt Wasser in der Entfernung ruhig und weich. Warum?

In der Entfernung verändert sich unsere Wahrnehmung, alles wird kleiner, auch die Wellen. Die Wellen werden winzige Punkte. Zusätzlich bewegen sich die Wellen ständig und deshalb sieht unser Auge sie unscharf.

Zwischen unseren Augen und dem entfernten Wasser liegt Luft. In dieser Luft befinden sich Feuchtigkeit, Staub und kleinste Partikel. Sie streuen Licht und reduzieren Kontraste.

Wasser wirkt in der Entfernung unscharf und deshalb wirkt das Wasser in der Entfernung viel weicher als das Wasser im Vordergrund.

Wasser malen in der Entfernung:

Oft werden:

• Farben heller und matter
• das Wasser verliert seine Kanten, Formen erscheinen weicher, Wellen sind nicht sichtbar

Vielleicht hast du Lust, das mal auf deinem nächsten Spaziergang zu beobachten.

Die Faustregel für das Wasser malen heißt: Je weiter weg, desto weniger Details!

Oft malt unser Kopf Dinge, die wir wissen, obwohl wir sie nicht sehen.

Deshalb sollte man sich vor dem Malen noch einmal bewusst machen:

Wellen haben in der Entfernung nichts zu suchen!

Die passende Technik für Wasser in der Entfernung ist die Lasur! Und Nass-in-Nass-Techniken, die keine harten Kanten erzeugen.

Pinsel: Weiche, runde Pinsel, die das Wasser gut speichern. Für feuchte Lasuren ist Naturhaar gut geeignet.

Wasser malen im Mittelgrund – erste Wellen entstehen.

Im Mittelgrund erkennt man das erste Mal die Bewegung des Wassers.

Nun erkennt man zarte Wellenformen. Schatten im Wasser fransen leicht aus.

Manchmal kann man auch Lichtreflexe und Schattenbereiche sehen.

Der wichtigste Merksatz zum Wassermalen im Mittelgrund ist:

Weniger ist mehr!

Oft reicht es, die Spiegelungen leicht zu verwischen. Zarte horizontale Linien zeigen die Bewegung des Wassers. Diese zarte Bewegung kann man durch mehrere Methoden erreichen.

Zwei, drei zarte Linien reichen, um das Wasser anzudeuten.

Man malt das Wasser in schnellen horizontalen Linien mit einem dünnen Pinsel.

Werkzeug:

Oft kann ein synthetischer kleiner Flachpinsel sehr hilfreich sein. Man benutzt nur die Spitze dieses Flachpinsels und zieht kleine horizontale Linien in die Spiegelung. Daraus macht unser Auge Wellen. Diese Technik funktioniert nass, aber auch trocken. Hier wischt man trockene Farbe aus, und die Wellen entstehen durch die Lichter.

Wasser malen auch Perspektive spielt eine Rolle:

Wer zuviel macht erzeugt Flecken!

Wer Wellen ganz regelmässig in ein Wasser setzt, bildet zwar ab was auf dem Wasser wirklich passiert, erzeugt aber ein unnatürliches fleckig hässliches Wasser.

Hinten ist das Wasser Weich. Ererst im Mittelgrund beginnt man Wellen zu sehen, Diese sollte man jedoch Sparsam setzen. Weil Bilder Ruhe brauchen.

Durch Perspektive erscheinen Wellen:

• weiter hinten klein
• nach vorne breiter und mit größerem Abstand

Während Wllen hinten nur kleine Linien sind werden sie nach vorne immer größer!

Wasser im Vordergrund – Struktur, Energie und Bewegung

Die Großaufnahme von Wasser in der Nähe ist wunderbar! Hier sieht man alles Mögliche: scharfe Wellen, Farben und Schatten. Erst im Vordergrund werden Spiegelungen plastisch!

Nur im Vordergrund sind Spiegelungen von Booten oder Häusern, Bäumen etc. absolut scharf zu sehen. Die Formen werden im Vordergrund härter und schärfer. Auch dunkle Farben kommen bei Schatten und Spiegelungen ins Spiel, denn die Feuchtigkeit in der Luft verwischt diese Formen nicht mehr.

Oft sind die Farben von Spiegelungen trüber als die originalen Farben des Motivs an Land!

Wasser malen mit Aquarell bedeutet, dass die Technik wechselt.

Technik: Wir malen nun Nass auf Trocken – im Hintergrund Nass in Nass weil es weicher ist.

Die gute Nachricht ist, diese Technik ist am leichtesten.

Als Werkzeug sind Pinsel mit guter Spitze geeignet.

Liebe Grüße

Tine

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Wasser malen – Aquarell, das heißt Wasser!

Nass-in-Nass gilt als eine der anspruchsvollsten Techniken im Aquarell. Oft hört man, sie sei nur etwas für Könner. Ich sehe das anders.

Am Anfang wirkt sie kompliziert, weil sie vor allem eines verlangt: gutes Timing.

Und ein Gefühl für das richtige Timing entsteht nicht über Nacht.

Unser Gehirn lernt jedoch erstaunlich gut. Es ist wie eine Kiste voller Legosteine – Stein für Stein, entsteht etwas Neues.

Wie entwickelt man also das nötige Fingerspitzengefühl für die Nass-in-Nass-Technik?

Wissbegierig? Perfekt! Genau für solche Menschen sind meine Kurse gemacht.

Aktuelle Kurse mit Tine Klein

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Dranbleiben! Der Schlüssel zum Erfolg.

Dranbleiben! Der Schlüssel zum Erfolg.

Wer etwas lernen möchte, braucht Übung.

Das klingt banal, ist aber einer der wichtigsten Bausteine beim Malen.

Oft erlebe ich, dass meine Schüler eine Technik im Unterricht wunderbar beherrschen. Sechs Monate später funktioniert sie plötzlich nicht mehr. Warum?

Ganz einfach: Ein einmaliger Erfolg reicht nicht aus. Unser Gehirn muss Bewegungen, Abläufe und Entscheidungen immer wieder wiederholen, damit daraus eine dauerhafte Fähigkeit wird. Erst durch Wiederholung entstehen sichere Verbindungen im Gehirn.

Genau deshalb ist Üben so wichtig.

Nicht stundenlang, sondern kurz und regelmäßig.

Also keine großen Motive, sondern nur zielgerichtet üben, was man braucht.

Keine Verwirrung! Timming braucht stabile Grundlagen:

Wer im Aquarell Fingerspitzengefühl entwickeln möchte, braucht vor allem eines: verlässliche Bedingungen.

Nass in Nass ist eine dieser Techniken, man muss beim Malen merken, wann der richtige Zeitpunkt ist, eine feuchte Farbe in eine feuchte Lasur zu geben.

Dieses Gefühl entsteht jedoch nicht, wenn ständig Papier und Pinsel gewechselt werden.

Stell dir vor, du möchtest Klavierspielen lernen. Nach jeder Übungsstunde werden die Tasten anders angeordnet. Niemand käme auf die Idee, dass man so Fortschritte machen könnte.

Genau das passiert jedoch vielen Aquarellmalern.

Heute ein Papier, morgen ein anderes.

Dann wieder ein neuer Pinsel. Dabei verändert sich jedes Mal, wie viel Wasser gespeichert wird und wie schnell es wieder abgegeben wird.

Wechselst du ständig Papier und Pinsel, werden deine Lernversuche zur Nass in Nass Technik krachend scheitern.

Das Gehirn sucht nach Mustern. Es möchte verstehen: »Wenn ich das tue, passiert jenes.« Bekommt es jedes Mal andere Voraussetzungen, kann es diese Zusammenhänge nicht zuverlässig lernen.

Das richtige Material für Nass in Nass:

Beim Thema Nass in Nass hält sich ein Mythos besonders hartnäckig:

Ohne teures Baumwollpapier gehe gar nichts??

Doch das Material entscheidet nicht darüber, ob die Technik funktioniert – es verändert lediglich das Zeitfenster, in dem sie funktioniert.

Baumwollpapier speichert Wasser länger. Dadurch bleibt die Lasur länger offen,

und du hast mehr Zeit, den richtigen Moment zu erwischen.

Das kann gerade am Anfang angenehm sein. Manchmal wartet man allerdings gefühlt eine Ewigkeit auf genau den richtigen Feuchtigkeitsgrad.

Ein gutes heißgepresstes Papier kann genauso hervorragende Ergebnisse liefern.

Hier läuft die Uhr nur etwas schneller.

Wer das weiß, passt seine Arbeitsweise einfach an.

Wichtiger als der Preis ist deshalb die Qualität. Das Papier sollte stabil sein und mindestens 300 g/m² besitzen. So verhält es sich zuverlässig und gibt dir eine gute Grundlage zum Üben.

Auch der Pinsel spielt eine entscheidende Rolle. Er bestimmt, wie viel Wasser und Farbe tatsächlich auf dem Papier landen.

Deshalb ist der Begriff „Nass in Nass“ eigentlich etwas irreführend. In der Praxis arbeitet man meist mit einer relativ cremigen Farbe in einer feuchten Lasur. Würde beides tropfnass sein, würden die Farben unkontrolliert ineinanderlaufen. Oder anders gesagt: Wenn du Milch in den Kaffee gießt, entsteht kein schönes Bild.

Sanfte Wellen – Nass in Nass mit Fingerspitzengefühl

Sanfte Wellen gehören zu den schönsten Anwendungen der Nass-in-Nass-Technik. Das Geheimnis liegt dabei nicht im Pinselstrich, sondern im richtigen Zeitpunkt.

Zuerst legst du eine gleichmäßige, feuchte Lasur an.

Sie sollte überall denselben Feuchtigkeitsgrad haben. Achte darauf, dass keine Pfützen entstehen und die Oberfläche gleichmäßig glänzt. Ist eine Stelle trockener als die andere, verlaufen die Farben später unterschiedlich.

Preiswerter Tipp: Sprühflaschen für Haarpflegeprodukte erzeugen einen viel feineren Nebel als herkömmliche Wassersprühflaschen. Damit bleibt deine Lasur gleichmäßig feucht. Plündere dein Badezimmer!

Nun beginnt der wichtigste Teil: das Warten.

Beobachte das Papier genau. Direkt nach dem Auftragen ist die Lasur zu nass. Würdest du jetzt die Wellenschatten malen,

würden sie sofort auseinanderlaufen und ihre Form verlieren.

Das Wasser übernimmt die Kontrolle.

Nach kurzer Zeit verändert sich der Glanz. Die Oberfläche glänzt nicht mehr spiegelnd, sondern wirkt seidig. Genau jetzt beginnt das Zeitfenster, in dem die  Nass-in-Nass-Technik gut klappt. Das Papier ist feucht aber nicht nass.

Nimm nun einen Pinsel, der fast cremige Farbe enthält, aber nicht nass ist. Er sollte Farbe enthalten, jedoch nur wenig zusätzliches Wasser. Der Pinsel darf die Lasur nicht erneut fluten.

Die Aufgabe des Pinsels ist es lediglich, Pigmente in den feuchten Farbfilm einzubringen.

Male jetzt mit ruhigen Bewegungen die Wellenschatten. Die Linien dürfen ruhig unregelmäßig sein, denn Wasser bewegt sich niemals mathematisch exakt.

Während du malst, werden die Striche von selbst etwas weicher.

Genau das ist erwünscht. Die feuchte Lasur nimmt die Farbe langsam auf und lässt harte Kanten verschwinden.

Sollten die Striche dagegen scharf stehen bleiben, war das Papier bereits zu trocken.

Dieses Problem entsteht auf heißgepresstem Papier. Also Sprühen!

Verlaufen deine Wellen zügig zu breiten Flecken, war die Lasur noch zu nass.  DIes Passier auf Baumwollpapier oft!Genau zwischen diesen beiden Zuständen liegt der ideale Moment.

Je näher eine Welle am Betrachter liegt, desto kräftiger und kontrastreicher darf ihr Schatten sein. In der Ferne werden die Schatten immer feiner, heller und flacher.

So entsteht ganz von selbst räumliche Tiefe.

Fazit!

Viele glauben, die Nass-in-Nass-Technik sei unberechenbar. Tatsächlich folgt sie klaren Regeln. Das Papier bestimmt den richtigen Zeitpunkt, der Pinsel liefert die passende Farbmenge und Feuchtigkeitsmenge. Du musst lernen, wann beides zusammenpasst.

Genau deshalb ist Nass in Nass weniger eine Frage des Talents als des Beobachtens.

Liebe Grüße Tine

Die neuen Kurse sind da!

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„Kunst ist meine Sprache, Stifte und Pinsel sind meine Rüstung.“ Lord Gibson

Pinselgröße und Strichstärke im Aquarell:

Wer wirklich ausdrucksstarke Bilder schaffen möchte, muss lernen, durch dick und dünn zu gehen

– im wahrsten Sinne des Wortes.

Die Strichgröße gibt den Ausschlag für die Wirkung eines Aquarellbildes.

Wer mit zu kleinen Pinseln arbeitet, wird nie das lockere und weiche Ergebnis erreichen, das man beim Skizzieren und in der Aquarellmalerei so schätzt.

Wer schnell arbeitet, erzeugt dadurch weiche Übergänge zwischen den Farben. Denn die Geschwindigkeit ermöglicht, dass die Farben verlaufen, und dies gibt dem Bild eine natürliche Leichtigkeit. Diese entsteht durch den Arbeitsprozess. In der ersten Phase des Aquarells arbeitet man mit hellen Farben. Diese Farben sind so hell, dass man sie später vollkommen mühelos übermalen kann. Das heißt, die Formen werden erst in der nächsten Phase des Malens herausgearbeitet, und deshalb erhält der Maler eine enorme Freiheit.

Die erste Phase im Aquarell – der Dicke Pinsel und viel Wasser!

Rund ums Haus wurde mit einem dicken Pinsel gemalt! Das macht es skizzenhafter, es ist ein Spiel mit der Leichtigkeit, so wie es sich jeder Aquarellmaler wünscht. Die Lockerheit entsteht dadurch, dass der Maler mit einem großen Pinsel und viel Wasser einfach loslegt und ohne Angst die ersten Farben des Bildes aufträgt. Der Betrachter bemerkt später, dass hier mit viel Freiheit gearbeitet wurde. Genau das erzeugt den Eindruck von Leichtigkeit, den man am Aquarell so liebt.

Der Effekt der durchs Bild flutenden Farben ist allerdings wunderschön.

Die passenden Pinsel für diese ersten Schritte sind große Lasurpinsel. Ich bevorzuge jedoch Pinsel mit synthetischen Haaren, die einen sehr großen Pinselkopf und gleichzeitig eine feine Spitze besitzen. Diesen Pinseltyp nennt man Manteliner. Die Pinselgröße ist so groß, dass sie einen Lasurpinsel ersetzen kann. Er kann große Mengen Farbe aufnehmen und ermöglicht dadurch großzügige, fließende Pinselstriche. Trotz seiner Größe bleibt die Spitze fein genug, um bei Bedarf auch kleinere Formen anzulegen.

Doch in der ersten Phase haben kleine Details nichts zu suchen.

Hier geht es um großzügige Farbverläufe und wunderbar aquarellige Flächen, die dem Bild von Anfang an Leichtigkeit und Atmosphäre verleihen.

Und so ist die große Pinselgröße oft der ausschlaggebende Faktor für ein lockeres und gelungenes Aquarell.

Beim Pinsel ist es ein Spiel aus groß und klein.

Welche Pinselgröße benötigt man in der ersten Phase des Aquarells?

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https://blog.herz-der-kunst.ch/der-richtige-pinsel-fuers-richtige-ergebnis/